VOAL

VOAL

Please Wait ...
0%

Zvicër: Karikatura e javës: Sekreti bankar zviceran: Kasafortat bëhen transparente!

By | January 7, 2017

Komentet

Në Louvre një ekspozitë kushtuar 500 vjetorit të vdekjes së Da Vincit

Koleksioni më i madh i veprave të Leonardo da Vinci do të hapet në një ekspozitë në muzeun e Louvre-it në Paris për një periudhë dy mujore me rastine 500 vjetorit të vdekjes së gjeniut.

Da Vinci la Italinë për të kaluar vitet e fundit të jetës së tij në Francë, me ftesë të mbretit të atëhershëm.

160 skulptura, piktura e letra nga periudha e Rilindjes do të shfaqen nga 24 tetori në këtë muze. Pjesë e koleksionit që do të shfaqet për publikun janë edhe 10 piktura që i atribuohen Da Vincit; përveç atyre që gjenden në Louver, disa vepra janë huazuara nga institucione të tjera.

Mes objekteve që do të ekspozohen ka edhe disa vizatimeve të Da Vincit që shkojnë në Paris nga Venezia, përfshirë të famshmin “Njeriu vetruvian”.

Edhe Mbretëresha Elisabeth ka dërguar një sërë skicash e vizatimesh nga koleksioni i saj.

Kuratori i ekspozitës në muze, Vincent Delieuvin tha se ishte shumë i lumtur që do të ekspozonin edhe punimet e rralla: “Muzeu duhej të bënte diçka në vitin 2019, pasi Leonardo da Vinci vendosi të vinte në Francë në vitin 1516 dhe vdiq pikërisht këtu 500 vite më parë. Jemi me fat pasi kemi 5 piktura të tij në muzeun tonë”.

Mona Liza nuk do të jetë pjesë e koleksionit, pasi rreth 30 mijë vetë mbajnë radhë çdo ditë për ta para atë në muzeun e Louvre dhe autoritetet druhen se përfshirja e saj do të rrezikonte tejmbushjen e ambientit.

Më 22 tetor 1943 lindi Catherine Deneuve, femme fatale e kinematografisë

VOAL – Catherine Fabienne Dorléac, e famshme ekskluzivisht me mbiemrin e nënës së saj dhe e njohur më mirë si Catherine Deneuve, lindi në 22 tetor 1943, në kryeqytetin francez, Paris. Një aktore me famë ndërkombëtare, asokohe prezantuese e disa programeve televizive, ajo ishte një nga më të dashurit nga publiku i gjerë midis viteve 60 dhe 70, falë bukurisë së saj. Ajo është gjithashtu një këngëtare e njohur si dhe një ambasadore e UNESCO-s.

Katerina e vogël lindi dhe u rrit në një familje arti, ku kinemaja dhe aktrimi janë artet e preferuara të të gjithë anëtarëve të saj. Babai i tij është aktori i vlerësuar Maurice Dorléac, i njohur për publikun mbi të gjitha si M. Teynac, dhe nëna e saj, gjithashtu një aktore, është Renée Deneuve. Katerina është e treta nga katër vajzat, të gjitha aktoret: François, Sylvie dhe Danielle, të gjitha këto mbajnë mbiemrin e tyre atëror.

Katerina e re dhe ambicioze menjëherë pati disa mosmarrëveshje me motrat e saj, veçanërisht me fëmijën e saj të parë, François, i cili vdiq para kohe në moshën 24 vjeç në një aksident me makinë, saktësisht në vitin 1967. Për të dalluar veten nga tri të tjerat, megjithatë, ajo merr pothuajse menjëherë mbiemrin e nënës së tij, Deneuve.

Debutimi arrin shumë herët. Kur ajo ishte vetëm adoleshente, në moshën trembëdhjetë vjeç, e vogla dhe e talentuara Catherine Deneuve bëri debutimin e saj në filmin “Le collegegiali”, nga André Hunebelle, daton më 1956.

Është fillimi i një karriere të shkëlqyeshme, e cila megjithatë merr vetëm në dekadën vijuese. Në fakt, filmi i vitit ’56 pasohet nga pjesë të vogla në filmat mediokër.

Për të ndryshuar jetën personale dhe artistike të Katerinës së re, është drejtori Roger Vadim, i cili sapo bën njohjen e tij bie çmendurisht në dashuri me të. Është ai që e imponon atë si një ikonë të re femër të kinemasë franceze të viteve ’60. Pasi e admiroi në “Les Parisiennes”, me regji nga Marc Allégret, në vitin 1961, dhe në “Caldi amori” nga Grisha M. Dabat, vitin e ardhshëm, Vadim e dëshiron atë në filmin sensual “Ves dhe virtyt”. Një vit më pas, atëherë, saktësisht në 18 qershor 1963, duke konfirmuar pasionin e tyre të lulëzuar, të dy kanë edhe një djalë, aktorin Christian Vadim.

Ndërkohë, Deneuve vazhdon të luajë rolin e femme fatale, si në filmin e vitit 1963, “Antologjia Seksuale”, nga Pierre Kast. Viti 1963 është gjithashtu i rëndësishëm për pjesën e mbuluar në filmin episodik me titull “Mashtrimet më të bukura në botë”. Një vit më pas, në vend të kësaj, ai u bashkua me të madhin Jean-Paul Belmondo në komedinë “Gjuetia e meshkujve”, ndërsa në vitin 1965 erdhi takimi me regjisorin amerikan Roman Polanski, duke nënshkruar fortesën dhe në atë kohë një film skandaloz me titull “Repulsion”.

Catherine Deneuve largohet nga Vadim dhe martohet me pasionin e saj të ri, fotografin dhe regjisorin David Bailey. Të dy u martuan në 19 gusht 1965. Fatkeqësisht, megjithatë, ata nuk arritën të ishin të lumtur dhe pas disa vitesh, tashmë në 1972, u divorcuan.

Aktorja luan dhe lidh veten në një miqësi të fortë me aktorin e madh Philippe Noiret, me të cilin punon në filmin “L’armata sul sofa”, daton më 1965. Një vit më pas ajo takohet me Michel Piccoli, në “Krijesa”, të cilin e rigjen në muzikalin “Josephine” të vitit 1966, me aktorin Gene Kelly.

Këto janë vitet më të suksesshme për Deneuve që arrijnë kulmin e artit dhe popullaritetit të saj kur regjisori Luis Bunuel e merr te “E bukura e ditës” në vitin 1967, i cili menjëherë bëhet një film kult i zhanrit dhe e sheh atë interpretojnë rolin e një borgjezeje të mërzitur, e cila, për tri orë, e shndërron shtëpinë e saj në një shtëpi takimesh. Interpretimi i saj, sipas “Revistës Premiere”, është përfshirë ndër njëqind më të mirët e ndonjëherë në kinema ndërkombëtare.

Edhe në Itali arrin talenti i saj. Dhe Katerina e bukur shkon të punojë përkrah Ava Gardner-it të mrekullueshme dhe aktorit James Mason, në filmin anglez “Mayerling”, më 1968. Vitin vijues fillon një marrëdhënie e re e zjarrtë, si dashurore ashtu edhe profesionale, ajo me babanë e nouvelle vague, regjisorin François Truffaut. Ai e dëshiron atë me Jean-Paul Belmondo në filmin “Droga ime quhet Julie”, në vitin 1969. Pavarësisht martesës me Bailey, i cili në këtë kohë fillon të fundoset, të dy artistët kurorëzojnë dashurinë dhe kur Deneuve ndërpret raportin, Truffaut pëson goditje, duke rënë viktimë e një avarie nervore.

Thirrja nga Hollywood më në fund arrin. Filmi që sjell Catherine Deneuve në teatrot amerikane është “Ndjej diçka po më ndodh”, datë 1969, në të cilën ajo luan krahas Jack Lemmon. Disa vjet më vonë, më 1975, ajo luajti me dy aktorë të shkëlqyer të kinemasë së yjeve dhe vijave, Ernest Borgnine dhe Burt Reynolds, në filmin “Një lojë jashtëzakonisht e rrezikshme”. Sidoqoftë, aktorja, jo shumë entuziaste për rolet që prodhimet amerikane i rezervojnë, vendos të rikthehet në Evropë.

Italia tani është shtëpia e dytë e artistes franceze. më 1972 në fakt, në setin e filmit “La cagna”, nga Marco Ferreri, ai u takua me aktorin Marcello Mastroianni dhe u dashurua plotësisht me të. E divorcuar nga Bailey, Deneuve lind vajzën e saj Chiara Mastroianni më 28 maj 1972. Është fillimi i një prej marrëdhënieve më të diskutuara dhe të fotografuara ndonjëherë, të paktën në Itali. Me Mastroiannin aktorja franceze e gjen veten në filma të tjerë të suksesshëm, siç janë “Asgjë e rëndë, burri i saj është shtatzënë”, më 1973, dhe “Non toccate la donna bianca”, nga 1974, ku interpretoi me të madhin Ugo Tognazzi.

Në vitin 1977 Catherine Deneuve është një nga “Shpirtrat e Humbur” të filmit homonim të Dino Risi, së bashku me Vittorio Gassman, suksesi i përsëritur me singularin “Casotto”, në të njëjtin vit dhe drejtuar nga Sergio Citti.

Tetëdhjetat shënuan për artisten pariziane shoqërinë e saj artistike me “mbretin e bardhë” Gérard Depardieu. Filmi i parë që ata xhirojnë së bashku është “Të dua”, nga viti 1980, i ndjekur nga “Metroja e fundit” në të njëjtin vit, në të cilin, për herë të fundit nën drejtimin e Truffaut, Deneuve fitoi César si aktorja më e mirë dhe David di Donatello për interpretimin më të mirë të huaj. Në vitin tjetër, përsëri me Depardieun, ajo aktroi në “Codice d’onore”, ndërsa në vitin 1982 ishte me Philippe Noiret në “Pushimet Afrikane”.

1983 është i famshëm për performancën e saj së bashku me aktoren Susan Sarandon, në tmerrin atipik “Miriam zgjohet në mesnatë”, në të cilin ajo luan pjesën e një vampiri. Filmi bëhet një kult sidomos për skenën në të cilën aktorja franceze lejon që të shkojë me kolegun e saj amerikan në një moment safi që shkon nëpër botë.

Pas “Fort Saganne”, më 1984, me Depardieu dhe Noiret, ajo mori thirrjen nga regjisori i madh Mario Monicelli, i cili në vitin 1986 e dëshironte atë në filmin e paharrueshëm “Le të shpresojmë se është femër”.

Me filmin “Indochina” ajo mori nominimin e saj të parë për Oscar, më 1992, pothuajse për çudi. Dy vjet më vonë ajo u emërua nënkryetare e Jurisë në Festivalin e Kanës, botimi 1994.

Një vit më pas regjisori Manoel De Oliveira e dëshiron atë në “Il convento”, me aktorin e mirë amerikan John Malkovich. Është fillimi i një partneriteti artistik me regjisorin që e rikujton atë për filmat “Kthehu në shtëpi”, në vitin 2000, dhe “Një film i folur”, në 2003. Ndërkohë, pas Ariut të Artë të nderit në Festivalin e Berlini, falë “Tetë gra dhe një mister”, të vitit 2002, fitoi Ariun e Argjendtë për aktoren më të mirë. Në vitin 2000 ajo gjithashtu punoi me regjisorin polemik dhe origjinal danez Lars von Trier, në “Dancer në errësirë”.

Debutimi si shkrimtare vjen pas filmit të vitit 2004 “Kohët e ndryshimit”, me ditarin “A l’ombre de moi-meme”.

Në vitin 2006 Catherine Deneuve u emërua Presidente e jurisë së Festivalit të Filmit në Venecia. Më në fund, midis 2007 dhe 2010 mori pjesë në disa filma pak a shumë të rëndësishëm si “Vajza në tren”, “Racconto di Natale” dhe “Bancs Publics”, si dhe “The Big Picture” dhe “Potiche – Statuja e bukur ”, ku gjen mikun dhe kolegen e saj Depardieu./Elida Buçpapaj

FALEMNERËS BABË! – Nga LUMNIKA KACELI

Sadik Kaceli pati një jetë relativisht të gjatë dhe brenda kësaj periudhe kohore pati gjithashtu një krijimtari të bollshme artistike. Pra, kësaj jete të gjatë tetëdhjetëegjashtë vjeçare që ai e jetoi si individ, si bir, si vëlla, si bashkëshort, si prind, si edukues, si qytetar, si mik, si njeri …. i duhen superpozu edhe shtatëdhjetëvjetët e fundit të krijimtarisë. Për këtë hark kohor të aktivitetit të tij artistik është folur shumë dhe gjithsecili ka mënyrën e tij të reflektimit. Nga kritika e tanishme vihet re një farë tendence për ta vendos këtë artist në një pozicion si lidhës mes orientit e oksidentit në fushën e arteve figurative. Kjo kryesisht bazuar në krijimtarinë e tij të hershme të viteve ’30, ku paraqet si gra të mbuluara të asaj kohe në Shqipëri, po ashtu dhe nudo që si student duhej t’i realizonte gjatë viteve të Akademisë së Artit në Paris në po këto vite. Për hir të së vërtetës, krijimtaria e tij është shumë më e gjerë se sa vetëm fokusimi në segmente të tilla të kufizuara, të cilat i përkasin një kohe të krijimtarisë së hershme në rininë e tij, realizuar nga artisti për qëllime të caktuara. Mendoj se duhet parë më në kompleks krijimtaria e tij artistike shtatëdhjetë vjeçare. Gjithsesi secili është i lirë të reflektojë në mënyrën e vet mbështetur në njohuritë e tij, thellimin që bën në veprën e artistit, këndvështrimi i tij personal, intelektual, fetar, moral etj. Pavarësisht të mendimit tim personal mbi krijimtarinë e plotë të Sadik Kacelit, nuk qe qëllimi im në këtë shkrim për t’u ndalur në këtë pikë. Ia lë këtë gjë kohës, kritikës objektive artistike. Jo më kot përmenda në fillim të këtij shkrimi se Sadik Kaceli krijoi vetëm për rreth shtatëdhjetë vjet në fushën e artit figurativ, por jetoi tetëdhjetëegjashtë vjet dhe brenda kësaj jete pothuajse shekullore jetoi dhe kontribuoi në shoqëri mbase akoma edhe më tepër si njeri, si edukator, si qytetar. Eshtë e qartë se para se të jemi artistë apo çfardo lloj profesioni tjetër në fushat e jetës, së pari jemi njerëz. Mendoj se jeta që na është dhuruar duhet konsideruar si një detyrë, si një mision i rëndësishëm per secilin që me aq sa mundet të përpiqet për përmirësimin e shoqërisë njerëzore. Dhe kushdo mund të bëjë diçka në mënyrën e tij, mund të lë gjurmë, pavarësisht prejardhjes, statusit shoqëror, profesionit etj., mjaft të inspiroje në këtë drejtim. Në këtë konteks profesionin e shoh më shumë si një instrument, një prej elementëve që na ndihmon, ta ndërtojmë jetën në atë mënyrë se si ne e perceptojmë atë. Për këtë arsye mendova të ndalem fare shkurtimisht, pikërisht në kontributin që Sadik Kaceli ka dhënë si njeri, qoftë në jetën e tij personale qoftë edhe në aspektin si prind, si edukator, si qytetar. Kjo parë nga pozicioni im si bijë e tij, nëpërmjet disa episodeve apo ngjarjeve që kanë lënë mbresë tek unë në atë periudhë pothuajse gjysëm shekullore që jetova me të.

Ishte fillimi i viteve ’50, kur terrori komunist po e profilonte edhe më mirë karakterin e tij gjakatar. Incidenti i bombës në ambasadën sovjetike të vitit ’51 në Tiranë, mori jetën e njëzetedy qytetarëve të ndershëm e të pafajshëm, plagosi kaq familje, u rritën kaq e kaq jetimë. Por bisha komuniste nuk ngopej me kaq. Sundimi i terrorit të kuq kërkonte mënyra akoma edhe më të sofistikuara për të shkaktuar akoma më shumë viktima të reja të pafajshme, për të mbjellë akoma më shumë terror e frikë. E për të realizuar këto qëllime diabolike, i duheshin sigurisht veglat e saj të verbërta… Në një nga ambjentet e një ekspozite të atyre viteve dikush pa rënë sy e tërhoqi

Sadik Kacelin në një ambjent mënjanë. Iu prezantua dhe pa shumë zbukurime hyri në temë direkt. Ishte agjent i Sigurimit të Shtetit dhe i kërkonte Sadik Kacelit të punonte dhe ai për të. Iu kujtua se ishte vëllai i Jonuz Kacelit të sapo pushkatuar në incidentin e bombës në ambasadën sovjetike. Sa për dijeni, Jonuz Kaceli, pasi qe pushkatuar në qelitë e Ministrisë së Brendshme, u lidh ashtu i vdekur me 21 të gjallët e arrestuar të tjerë e u ripushkatua bashkë me ta në afërsi të Tiranës atë natë të errët shkurti. E tashti ky Sadik, vëllai i Jonuzit, xhaja i Fadilit të arratisur, bir i familjes së mirënjohur tregtare Kaceli, një nga familjet më të vjetra autoktone të Tiranës përbënte një profil të përshtatshëm për Sigurimsat për realizimin e planeve të tyre. Njerëzit e serës së tij, duke e njohur Sadikun si njeri të ndershëm e besnik, që rridhte nga një familje fisnike me tradita patriotike, me “biografi të keqe” për kohën, do t’i konfidoheshin atij, do të qanin hallet e dertet e tyre që nuk ishin të pakta në ato vite. Këtë gjë padyshim ata nuk mund t’a bënin as me Sigurimsat, as me komunistat as me Kryesinë e Frontit Demokratik. E detyra e Sadikut duhej të ishte t’ua përcillte xhelatëve hapjen e sinqertë të zemrës së tyre të vuajtur, rrëfimet e moskënaqësitë e tyre të drejta. Por ata i kishin bërë hesapet jo mirë. I premtun Sadikut nga më të ndryshmet, nga më të paarritshmet e asaj kohe si shpërblim. Ishte e pamundur. Kur e panë se nuk ia dolën me premtime ia nisën me kërcënime, deri me revolver tek koka. Pak a shumë parulla “O me ne, o kundra nesh”.

Kur erdhi në shtëpi, nuk e njoha Sadikun, tregonte nëna ime mirë, shumë shumë vite mbas monizmit. Fytyra e Sadikut ishte nxirë, tregonte ajo, thënë kjo jo vetëm në mënyrë figurative. E thirrën edhe disa herë të tjera, duke i bërë presion të rëndë psikologjik. “Njëherë do të vdes kishte thënë babai i katër fëmijëve, po qe se duhet të vdes në këtë mënyrë, ky paska qenë fati im. Nuk dua t’i hyj në hak askujt. Kam frikë Zotin!” I druhej babai im i mirë asaj dite, kur do të dilte para Tij. E panë se ishte e pamundur as me premtime as me kërcënime jete i thanë së fundmi, atëherë nënshkruaj se nuk do t’i tregosh kurkujt për sa folëm, gjë të cilën e bëri. Vonë, vonë në vitet e demokracisë e kemi dëgjuar këtë histori të dhimbshme. U mbyll në vetvete dhe punonte shumë për të mbijetuar vetë i gjashtë, gruaja e papunë e katër fëmijë. Vetëm besimi tek Zoti më ka dhënë forcë, thoshte ai. Megjithë “biografinë e tij të keqe” pjesërisht të trashëguar e pjesërisht falë sjelljes së tij të ndershme, (kjo gjithmonë sipas Kodit të Moralit komunist), ai sillej mirë me të gjithe, besnik e i ndershëm në maksimum me këdo, i donte shokët sinqerisht, të cilët mund t’í përkisnin shtresave të ndryshme sociale, profesioneve, racave, prejardhjes, niveleve nga më të ndryshmet. Falë edukatës e bindjeve të tija fetare e morale, ai i respektonte njeriun, thjeshtë si njeri, si krijesë, pa asnjë lloj paragjykimi qoftë edhe të imponuar prej kohës së atëhershme. Shokë a miq të tij të vjetër që ishin zhdukur prej vitesh burgjeve a internimeve të komunizmit, qofshin ato borgjeze apo ish-komuniste, ai i takonte hapurazi në mes të sheshit me të njëjtën dashuri e sinqeritet ashtu si i kish dashur gjithmonë. E mos harrojmë se ishin vitet e tmerrshme të monizmit, ku vetë Sadiku e familja e tij kishin hequr mjaft e ishin në shënjestër. Nuk do e harroj kurrë një citim mjaft domethënës të Dritëro Agollit në aktivitetin që organizoi Lidhja e Shkrimtarëve e Artistëve në vitin 1994, me rastin e 80-vjetorit të lindjes së tij. Ishin vitet e para të demokracisë, ku Parlamenti e gjithë shoqëria “vlonte” nga të katër anët. Ishin aty të pranishëm nga të gjitha llojet e njerëzve: parlamentare komuniste e parlamentare demokrate, artistë e punëtorë, intelektualë, të rinj e të vjetër. “Që Sadiku që na bashkoi sot të gjithëve neve këtu”, tha me sinqeritet Dritëroi. E vërtetë që një takim i përbashkët tejet miqësor prej të gjithëve. Atë që nuk e bënte politika e kishte bërë në atë çast pikërisht natyra humane e paqësore e Sadikut që e donte njeriun pa dallim, e respektonte atë, e ndihmonte atë qoftë edhe me një fjalë a me një këshillë. Sa i dashur ishte në familje e në rrethin familjar. Sa me dashuri e butësi na rriste e na edukonte ne fëmijët. Përveç principeve bazë të edukimit që ishin themelore për të, na ushqeu neve gjithashtu edhe dashurinë për të bukurën, për përparimtaren. Në ato vite të errëta kur ndër të tjerat, udhëtimi jashtë shtetit për klasën tonë ishte më se i pamundur (e krahasueshme për mua sot të mendoj për një udhëtim në kozmos), babai jonë na fliste e na fliste pa u lodhur për Parisin, për shokët e tij studentë, për jetën studentore, për rrugët, parqet, kafetë, muzetë e Parisit, ekspozitat, takimet e tij me artistë të dimensioneve botërore qysh në atë kohë. Mbresat e tij për Parisin ishin të pafund. Ishte një lloj nevoje e brendshme shpirtërore e tij, një farë soj mbijetese kulturore për të treguar mbi Parisin, por edhe “një lloj lëngu jetësor” për edukimin tonë. Përpiqej babai jonë i mirë për t’i dhënë sa të mundë një kolorit të gëzueshëm atij realiteti të zymtë të kohës. I tregonte vazhdimisht mbase të njëjtat histori, por aq bukur, aq me ndjenjë, aq me dashuri tregonte për mbresat e atij qyteti të madh të zhurmshëm, kryeqyteti i artit të asaj kohe, sa të dukej gjithmonë sikur i dëgjoje ato histori për herë të parë, përjetoje mbresat e tij me një vërtetësi të çuditshme. Ishte vetëm disa vite më parë që unë vizitova Parisin për herë të parë. M’u duk vetja çuditërisht sikur kisha qenë prej vitesh këtu. Pata ndjesinë si rikthim në një realitet mjaft të njohur, këtë herë jo virtual….

Babai jonë,

Sadik Kaceli të edukonte me vepra, fliste pa fjalë, e përçonte mirësinë e tij tek tjetri në një mënyrë krejt të pasforcuar, më saktë e thënë: buronte natyrshëm mirësi nga personi i tij. Vetë prezenca e tij shembulli i tij personal, modestia e tij të impononte respekt, ishte e pamundur të silleshe keq në prani të tij a t’i thyeje zemrën, a ishe fëmi, adoleshent apo madhor. E jo vetëm në prani të tij, por qoftë edhe me mijëra kilometra larg prej tij të ishe, prap ndjeje peshën e përgjegjësisë morale të këtij prindi të mirë. Dikur mbas viteve të demokracisë shkova për herë të parë jashtë shtetit. Mundohesha të isha sa më e kujdesshme në çdo aspekt. Tashmë nuk ishte më ajo frika mbytëse, e imponuar artificiale se mos bëj ndonjë lapsus, dhe ndëshkohem unë dhe familja ime nga sistemi komunist i atëhershëm. Jo, ishte një lloj sedre, një lloj përgjegjësie tjetër shumë herë më e fuqishme se frika, ishte një ndjenjë që rridhte natyrshëm: ishte ndroja se mos nuk po përfaqësoja si duhet vehten time, familjen time, atdheun tim Shqipërinë. Dikush më ironizoi miqësisht: T’i sikur je ambasadorja e Shqipërisë! Jo. Unë isha thjesht një njeri anonim në shoqërinë Perëndimore, që as më njihte e as njihja askënd. Por ndjenja që prindët na kishin edukuar për me e dash atdheun, popullin tënd kudo që të jesh të mundohesh sa më denjësisht ta përfaqësosh atë, ishin rrënjosur fort tek unë. Thellë-thellë në qenien time, ideja se mund të dëmtoja sadopak imazhin e prindërve të mi, punës së tyre të palodhur për edukimin e fëmijëve të tyre, si dhe të gjeneratave të fëmijëve që ata kishin edukuar si mësues, më ndiqte gjithmonë pas.

I jam mirënjohëse prindërve të mi, i jam mirënjohëse babait tim të mirë

Sadik Kaceli, i cili më parë se të na mësonte të mbanim lapsin a penelin, na tregoi, nëpërmjet sjelljes, modestisë, ndershmërisë e dinjitetit të tij modelin më të mirë prindëror.

Ndaj më parë se t’i jem mirënjohëse

Sadik Kacelit për atë pjesë me vlerë të krijimtarisë së tij artistike, i jam mirënjohëse së pari për kontributin që ai i dha shoqërisë njerëzore …si njeri!

Falemneres babë për gjithçka të mirë që përçove tek ne!

Lumnika Triest Kaceli

19 tetor 2014

CD-ja e re e kompozitorit të shquar shqiptar Thoma Simaku botohet nga shtëpia prestigjoze diskografike – NAXOS

VOAL – CD-ja e re e kompozitorit të shquar shqiptar Thoma Simaku është botuar nga shtëpia prestigjoze diskografike – NAXOS, që ka shpërndarje në të gjithë botën. Midis pjesëve të tjera (8 gjithsej) është dhe një këngë shumë e dashur për shqiptarët kudo që janë – Moj e Bukura More’, (Albanian Folk Song “Moj e Bukura Moré” (version për Violin & Piano) të cilën kritika e vlerësuar veçanërisht.

CD-ja e re e Simakut është lëshuar në të gjithë botën në Naxos 21 Century Classics Series.

“Ai përdor një gjuhë muzikore shumë individuale, siç dëgjojmë në veprën hyrëse – Sinjalet për piano solo – duke përdorur momente heshtjeje për të shënuar një rezultat të përshkruar më së miri si një përmirësim i shlyerjes”, – thekson botuesi.

Në faqen e saj të internetit, Naxos ka përshkruar më tej CD-në e re si më poshtë:

“Thomas Simaku, muzika e të cilit është përshkruar si ‘vizionare dhe plotësisht origjinale” është një nga më tërheqësit dhe më të rëndësishmit e kompozitorëve bashkëkohorë. Përzierja e tij e intensitetit dhe modernizmit është ilustruar në këtë përzgjedhje të veprave të dhomës dhe instrumenteve, të gjitha këto të realizuara nga dedikuesit , secila prej të cilave zbulon aspekte të ndryshme të artit të tij. Luajtshmëria e strukturës mund të kursehet në Sinjale, ndërsa virtuoziteti është një tipar i Capriccioso. Arkitektura dhe cilësia vokale e ENgREnage tregojnë larminë e pasur të kontrasteve dhe ngjyrave harmonike që Simaku nxit në muzikën e tij . ”

Në shënimin e tij, David Denton shkruan:

“Ai përdor një gjuhë muzikore shumë individuale, siç dëgjojmë në veprën hapëse — Sinjale për solo e piano — duke përdorur momente heshtjeje për të shënuar një rezultat të përshkruar më së miri si një përmirësim i atonalitetit.” Duke gudulisur veshin me tinguj të rinj, kompozitori thotë se ka përdorur titullin, Capriccioso, për të përshkruar të dy shënimet e pikëve për violinë solo, po aq sa për formën dhe trajtën e tij “.

Pjesa Moj e Bukura Moré mund te degjohet ne kete link:

Albumi i piktorit – Avni Delvina: NA GISHTIN !…NA DHE TOPET !

VOAL – Piktori shquar Avni Delvina me grafikën “NA GISHTIN !…NA DHE TOPET !” reagon ndaj veprimit të ambasadorit aktual të OSBE-së në Shqipëri Boschard, i cili fyeu sot qytetarët duke iu ngritur gishtin e mesit, ndërsa ata po protestonin duke thirrur “Rama, ik!”. I detyruar përballë zemërimit të opinionit shqiptar, ai më vonë kërkoi falje.

Piktori e komenton kështu grafikën e tij:

Te dashur miq ! Ju uroj nje jave te mbare me kete grafike nga xhesti fantastik drejtuar protestuesve shqiptare qe beri dje nderkombetari jone i dashur, me titull :
NA GISHTIN !…NA DHE TOPET !
Sfondin ja kam bere me ngjyren e tij orientuese ideollogjike ne Shqiperi.

Albumi i piktorit – Avni Delvina: Handke që provokoi një indinjatë të madhe

VOAL – Piktori i shquar Avni Delvina reagon ndaj çmimit Nobel për Letërsi dhënë shkrimtarit kundërthënës austriak Peter Handke, i njohur, më shumë se për veprën letrare, për mbrojtjen e flaktë të kasapit Millosheviç dhe krimeve të përbindshme te bëra nga makineria e tij e luftës.

Piktori bën komentin e mëposhtëm:

Nje grafike sa per te bo qoken artistike me çmimin Nobel Handke qe provokoi nje indinjate te madhe….. sepse edhe kjo ngjarje eshte si vrazhde e nje degradimi te madh ne europe e me tej….mjafton te shikoni si eshte katandisur vendi yne dhe komportamentin e nderkombetareve ndaj tij…. Po hajt si dite e shtune… hec perpara !

Më 10 tetor 1901 lindi skulptori i shquar zviceran Alberto Giacometti

VOAL – Një skulptor i famshëm për figurat e tij njerëzore, Alberto Giacometti lindi më 10 tetor 1901 në Borgonovo (Zvicër) në mes të Val Bregaglia, nga Giovanni, një piktor neo-impresionist dhe mësuesi i tij i parë, dhe Annetta Stampa. Më vonë ai do të marrë pjesë në Ecole des Beaux-Arts dhe Ecole des Arts et Metiers në Gjenevë.

Më 1921, pas një fëmijërie thelbësisht të lumtur, ai u transferua në Romë për të studiuar mjeshtrit e mëdhenj të së kaluarës. Anëtarët e familjes e lehtësojnë atë në të gjitha mënyrat e impresionuar nga talenti i tij i madh, i manifestuar plotësisht në një moshë të re (është i famshëm një portret i nënës së tij i bërë me plastelinë gjatë viteve të shkollës së mesme).

Gjatë studimeve të vetmuara ai u bë i apasionuar pas punës së Tintoretto dhe Giotto të cilët e frymëzuan me idenë e krijimit të një arti të lirë nga intelektualizmi, që synonte – anasjelltas – në origjinën e tij primitive apo edhe primitive. Në këtë periudhë interesi i tij për antropologjinë është i fortë, në këtë të ngjashme me shumë nga bashkëkohësit e tij (Pablo Picasso mbi të gjitha).

Më 1922 u vendos në Paris për të ndjekur kurset e skulptorit Antoine Bourdelle, duke eksperimentuar pjesërisht me metodën Kubiste. Siç mund ta imagjinoni, jeta e një artisti të ndërgjegjshëm dhe avangard si Giacometti nuk mund të jetë e lehtë, aq shumë sa që, pasi hapi një studio me vëllanë e tij Diego (i cili më vonë do të bëhet asistent i tij deri në vdekjen e tij) , për të jetuar, ai nuk përton të dizajnojë mobilje.

Giacometti në hulumtimin e tij të pandërprerë nuk mund të anashkalojë Surealizmin e ri, dhe në fakt ndan me disa prej bashkatdhetarëve të tij që banojnë në kryeqytetin francez simpatitë për këtë lëvizje.

Nga viti 1927 ai filloi të ekspozojë skulpturat e tij të para surrealiste në Salon des Tuileries. Suksesi më në fund troket në derën e tij, duke i dhënë mundësinë për të hyrë në një turne më prestigjioz, i cili i lejon atij të hyjë në kontakt me personalitete të jashtëzakonshme artistike si: Arp, Mirò, Ernst dhe Picasso ose shkrimtarë si Prévert, Aragon, Eluard, Georges Bataille etj. Queneau. Ndër të tjera, një partneritet i fortë lindi me Breton, themeluesin e lëvizjes surrealiste, për të cilën ai shkruan dhe vizaton në revistën “Surrealizmi në shërbim të revolucionit”.

Por Giacometti ndjen gjithashtu nevojën për t’u rikthyer në temën e “ngjashmërisë absolute” dhe, pas vdekjes së babait të tij në 1933, përfundon një periudhë e re e praktikës. Nga 1935 deri në 1940 ai u përqëndrua në studimin e kokës, duke filluar nga pamja, selia e mendimit. Ai gjithashtu përpiqet të tërheqë figura të tëra, në një përpjekje për të kapur identitetin e qenieve njerëzore individuale me një shikim të vetëm. Në këtë periudhë ai afrohet me Picasso dhe Beckett, dhe vendos një dialog me Jean-Paul Sartre që shpesh do të ndikojë në veprat e të dyve. Ai i kaloi vitet e Luftës së Dytë Botërore në Gjenevë.

Më 1946 u kthye në Paris dhe gjeti vëllain e tij Diego, duke u futur në një fazë të re artistike gjatë së cilës statujat u zgjatën dhe gjymtyrët e tyre u shtrinë në një hapësirë ​​që përmbante dhe përfundoi ato.

Në vitin 1962 ai mori çmimin e Madh për skulpturën në Bienalen e Venecias.

Vitet e fundit janë përplot me aktivitete frenetike dhe një vazhdim i ekspozitave të shkëlqyera në të gjithë Evropën. Megjithëse i sëmurë rëndë ai shkoi në New York në vitin 1965 për ekspozitën e tij në Muzeun e Artit Modern. Si punimin e tij të fundit ai përgatiti tekstin për librin “Paris pa fund”, një sekuencë prej 150 litografish në të cilat rrjedhin kujtimet e të gjitha vendeve të jetuara .

Ai u nda nga jeta më 11 janar 1966; varri i tij është në vendlindjen e tij në Borgonovo, afër prindërve të tij.

Një nga skulpturat e tij prej bronzi, “L’homme qui marche I” (Njeriu në këmbë), u shit në ankandin e Sotheby në fillim të shkurtit 2010 për rreth 75 milion euro: është çmimi më i lart në botë i paguar për një vepër arti./Elida Buçpapaj

Grafikë e piktorit të shquar Avni Delvina: Vazhdon tabloja epope e vuajtjeve të gazetarëve

Piktori i shquar Avni Delvina ështëë duke punuar fragmente-fragmente tablonë e tij ku ka përfshirë rreth 35 gazetarë, që shërbimin ndaj publikut e kanë shkëmbyer me shërbim ndaj politikës.

Ja çfarë shkruan piktori si diçiturë:

“Te dashur miq!

Po vazhdon puna ime impenjative per realizimin e tabllose me rreth 35 gazetare shqiptare dhe opinioniste….

Situata ne tabllo eshte dramatike dhe ka vetem vuajtje dhe asnje shenje lluksi…”

 

Në fakt opinioni e di se jeta e këtyre gazetarëve është e mbuluar nga lluksi !

Grafisti i shquar Avni Delvina me grafikën e rradhës për babëzinë e gazetarëve shqiptarë

Grafisti i shquar Avni Delvina në grafikën e rradhës është fokusuar tek babëzia e gazetarëve shqiptarë, që shkojnë nga fryn era. Ja si shkruan vetë piktori:

Kjo eshte nje pjesez e vogel e nje grafike qe kam ne realizim e siper…
Eshte pjese e nje ekspozite qe kam ne plan te hap mbi virtytet dhe veset e gazetareve shqiptare,
me te gjithe forcen dhe dobesite e tyre para pushtetit…
Nuhatja e tyre e lindur per te parashikuar jetegjatesine dhe fundin e pushtetit….
Eshte nje grafike shume e veshtire ku perfshihen rreth 35 gazetare…
Nuk duhet harruar qe pothuaj i gjithe ky brez vjen nga nje femijeri e varfer,
dhe te gjithe e kemi te veshtire te krijojme nje ekuiliber sic duhet ne rrethana normale, dhe shpesh babezia mbizoteron mbi gjithcka….”

Më 6 tetor 1887 lindi arkitekti gjenial zviceran Le Corbusier

VOAL – Charles-Edouard Jeanneret (i cili më vonë supozoi, duke kujtuar paraardhësit nga babai, emrin e artit Le Corbusier), lindi në 6 tetor 1887 në La Chaux-de-Fonds, Zvicër, ku studioi në shkollën e artit, duke u orientuar atëherë, me këshillën e mësuesit të tij Charles L’Esplattenier, drejt arkitekturës (por, përveç që ishte arkitekt, ai ishte gjithashtu një planifikues, piktor, skulptor, urbanist dhe shkrimtar).

Në moshën katërmbëdhjetë vjeç, ai u regjistrua në Shkollën e Arteve të qytetit të tij të lindjes dhe kur u bë tetëmbëdhjetë vjeç ai ndërtoi shtëpinë e tij të parë. Nga viti 1906 deri më 1914 ai udhëtoi në shumë vende evropiane, duke qëndruar kryesisht në Vjenë, ku ra në kontakt me qarqet vjeneze të Sesionit, dhe në Berlin, ku, në studion e Peter Beherens, ai u takua me Gropius dhe Mies Van der Rohe. Duke vizituar qytetet kryesore italiane, ai vizaton një skicë të bollshme të arkitekturës së të kaluarës me shënime dhe shënime mbi materialet, ngjyrat, format. Kjo i lejon atij të përvetësojë një prejardhje kulturore që i ka rrënjët në të kaluarën dhe të nxjerrë në pah pasionin e tij për arkitekturën, përkundër faktit se ai kurrë nuk ka përfunduar studime të rregullta në këtë fushë.

Vetëm rreth vitit 1920 ai filloi me të vërtetë të punojë si arkitekt. Gjatë mësimit ai punoi në Berlin dhe më pas në Paris, ku do të ketë mundësinë të thellojë interesin e tij për pikturën moderne.

Fillimisht ai punoi në studion e Auguste Perret (deri më 1922), pastaj me Pierre Jeanneret ai hapi studion e tij të arkitekturës mitike në Paris, e vendosur në 35 Rue de Sèvres. Në të njëjtën periudhë, ai themeloi revistën me A. Ozenfant dhe Dermèe “Avant-garde. L’Esprite noveau”. Pothuajse menjëherë kundërshtuar nga akademikët për stilin e tij të supozuar revolucionar, ai njihet më pas në të gjithë botën, duke lënë një gjurmë të pashlyeshme dhe të thellë në konceptet moderne arkitekturore dhe urbanistike. Problemi themelor me të cilin përballet arkitekti ka një aspekt të dyfishtë: nga njëra anë organizimi i hapësirës urbane, në mënyrë që qyteti të mund të strehojë lehtësisht masat e mëdha të punëtorëve të të gjitha niveleve shoqërore, të lidhura me aktivitetet bashkëkohore, nga ana tjetër të ndërtojë ndërtesa në gjendje të plotësojnë nevojat e jetës kolektive dhe individuale të atyre masave të njëjta.

Sistemi i tij i projektimit, pra, bazohet në përdorimin e sistemeve racionale, me forma dhe forma jashtëzakonisht të thjeshta, sipas parimeve të “Funksionalizmit”. Për më tepër, shumë metoda të reja inxhinierike u prezantuan nga Le Corbusier. Kulmi i sheshtë me kopsht të varur, për shembull, paraqet një kontribut të rëndësishëm të arkitekturës: formohet nga një hapësirë ​​e madhe e vendosur në brigjet e rërës, me shtimin e sipërfaqeve të mëdha të gjelbërta të vendosura poshtë shtëpisë. Në eksperimentimin e tij të palodhshëm ai arrin të prekë edhe ekstremitetet e kundërta në një larmi gjuhësh plastike, siç dëshmohet nga vilat La Roche-Jeanneret dhe Savoye (1929/31),), “the d’abitation Combined” of Marseilles (1947/52 ), Kapela e Notre-Dame-Du-Haut në majë të një kodre me pamje nga fshati Ronchamp (1950/54), manastir i Dominikanëve La Tourette, La Maison De L’homme në Zyrih dhe Spitali i Venecias.

Në të njëjtin vit ai tregoi projektin e tij për një qytet për tre milion banorë në Salon d’Automne, i cili do të jetë një gur themeli për studimet e ardhshme urbane.

Një vit më pas ai botoi “Drejt një arkitekture”, libri më i rëndësishëm arkitekturor i gjysmës së parë të shekullit të kaluar, një manifest eksploziv në të cilin ai pretendon se angazhimi për rinovimin e arkitekturës mund të zëvendësojë revolucionin politik, mund të arrijë drejtësinë social. Libri trajton tre nga pesë pikat: pilotin, çatitë e kopshtit dhe dritaren e shiritit. Këtyre tre elementëve do t’i shtohen disa vjet më vonë fasada e lirë dhe plani i lirë. Ato janë “pesë pikat e një arkitekture të re” të famshme të aplikuara me qëllimin teorematik në një nga veprat më të rëndësishme të racionalizmit arkitektural, vilën Savoye në Poissy të vitit 1929.

Në vitin 1927 ai fitoi çmimin e parë në një konkurs ndërkombëtar të ideve për projektin e pallatit të Lidhjes së Kombeve në Gjenevë. Projekti asnjëherë nuk u realizua.

Në 1925-29 u zbatua projekti i tij për Centrosoyus (Ministria Qendrore e Planifikimit Ekonomik) në Moskë; në 1932 u ndërtua Konvikti Zviceran i Universitetit Cité në Paris. Më 1936 Le Corbusier projektoi selinë e Ministrisë së Arsimit të Brazilit në Rio de Janeiro.

Ndër projektet e planifikimit urban të zhvilluara nga Le Corbusier, vlen të përmenden ato të Algiers (filluar në 1930), të San Paolo, Rio de Janeiro, Buenos Aires, Barcelona (1933), Gjenevë, Stokholm, Antwerp dhe nga Nemour (1934).

Një nga projektet e tij për një muze të ri u realizua në Tokio në 1929.

Në ato vite, atëherë, ai shkroi një libër të rëndësishëm për problemet që lidhen me planifikimin e qytetit, La Ville Radiouse, i cili u botua në 1935.

Nuk do lënë jashtë vëmendjes prodhimi i tij jo rreptësisht arkitektonik, por më shumë i lidhur me dizajnin. Mobiljet e Le Corbusier, për shembull, të krijuara me bashkëpunimin e P. Jeanneret dhe C. Perriand, të ekspozuar në vitin 1929 në Salon d’automne në Paris, lënë vizitorët në mëdyshje, sepse ata dukej se dëshironin të përmirësonin një koncept mbi çdo një konsideratë tjetër: ajo e të qenurit shprehje konkrete e funksionit të tyre. E çarë është ulësja, nëse jo një objekt që përmbush detyrën e saj duke mirëpritur trupin e njeriut në një gjendje gjysmë të ngritur? Projektuesi përqendron veprimin e tij në konceptin e shërbimeve dhe nevojave për përdorim. Rreth strukturës më të thjeshtë, asaj të një tubi metalik të zgjedhur si mbështetës kryesor për objektin, janë të organizuar përbërësit themelorë të secilit lloj vendesh: struktura bëhet një kafaz i përmbajtjes ose një sistem mbështetës. Kjo pjesë e mobiljeve u konceptua si një mjet i përshtatshëm për të banuar si duhet hapësirat e ndërtuara për njeriun modern: ende sot, ato janë integruar në mënyrë të përkryer në habitatin e përditshëm, dhe kjo kryesisht për shkak të bindjes së Le Corbusier për të shprehur në konkretitetin e objektit dhe shërbimeve, vlera e re e propozuar nga binomi formë-funksion. Në këtë mënyrë, objekti, i zhveshur nga stoli i tij, rikuperon bukurinë e tij intime të pandreqshme, duke shprehur natyrën e tij në harmoninë e formës së re, të thjeshtë dhe thelbësore.

Më 1944 u kthye në atelierin e Parisit dhe më 1946 u transferua në New York ku u njoh përfundimisht gjeniu i tij novator.

Ai vdiq më 27 gusht 1965 në Roquebrune, në Rivierën Franceze.

Pesë pikat e shprehura në “Drejt një arkitekture”:

1. Pilotët. Zgjidhja e një problemi në një mënyrë shkencore do të thotë para së gjithash të dallosh elementet e tij. Në një ndërtesë, pjesët që mbajnë ngarkesën dhe ato që nuk mbajnë padyshim që mund të ndahen. Në vend të themeleve primitive, mbi të cilat mbështeteshin ndarjet në mur, betoni i armuar lejon përdorimin e themeleve të pikës dhe në vend të mureve të shtyllës. Pilotët heqin shtëpinë nga toka, hapësirat hiqen nga lagështia e tokës dhe kanë dritë dhe ajër. Zona e zënë nga ndërtesa mbetet në kopshtin që kalon nën shtëpi, kopshti është gjithashtu sipër shtëpisë, në çati.

2. Çatitë kopsht. Kulmi i sheshtë kërkon kryesisht një përdorim logjik për qëllime strehimi: çati-tarracë, çati-kopsht. Betoni kërkon mbrojtje nga goditja termike, për të siguruar jetë më të gjatë. Tarraca e çatisë gjithashtu plotëson këtë nevojë, duke miratuar një masë të veçantë mbrojtëse: rërë të mbuluar me pllaka të trashë çimentoje, me nyje të stivosur të mbjella me bar. Efekti i marrë dhe ai i një mase termorregulluese, rrënjët dhe rëra lejojnë që uji të filtrohet ngadalë. Kulmet e kopshtit bëhen të pasura: lule, shkurre dhe pemë, lëndinë. Në përgjithësi, për një qytet, çatitë e kopshtit nënkuptojnë shëlbimin e të gjitha sipërfaqeve të ndërtuara.

3. Plani i Lirë. Muret mbajtëse, duke filluar nga nëntoka, mbivendosen duke formuar katin përdhes dhe katet e tjera, deri në çati: bima është skllave. Sistemi i shtyllave mbart dyshemetë, pjesët vendosen sipas dëshirës sipas nevojës dhe asnjë dysheme nuk lidhet me tjetrën. Nuk ka më mure me ngarkesë, por vetëm membrana të ngurta sipas dëshirës, ​​gjë që rezulton në lirinë absolute të paraqitjes së bimës, e cila lejon një ekonomi të madhe me vëllim të ndërtuar dhe një përdorim rigoroz të çdo centimetri katror, ​​të cilat kompensojnë kostot më të larta të një konstruksioni betoni armatosur.

4. Fenetre En Longeur. Shtyllat formohen, me dyshemetë, drejtkëndësha boshe në fasadë, përmes së cilës drita dhe ajri hyjnë me bollëk. Dritarja shkon nga një shtyllë në tjetrën, dhe për këtë arsye do të jetë një dritare në gjatësi. Hapësirat ndriçohen në mënyrë të njëtrajtshme nga muri në mur. Betoni i përforcuar revolucionarizon historinë e dritares. Dritarja mund të shkojë nga njëra skaj i fasadës në tjetrën. Betoni i përforcuar ofron mundësinë e ndriçimit maksimal për herë të parë me dritaren e gjatësisë.

5. Fasada e Lirë. Meqenëse aeroplanët janë bërë për të respektuar shtyllat që mbajnë të gjithë fasadën, ajo lëviz jashtë respektit me strukturën. Prandaj humbet cilësinë mbështetëse, dhe dritaret mund të zgjaten në gjatësi sipas dëshirës, ​​pa lidhje të drejtpërdrejtë me nënndarjen e brendshme. Kështu fasada merr një konfigurim falas./Elida Buçpapaj

Më 4 tetor 1669 u nda nga jeta Rembrandt, piktor i shquar hollandez dhe botëror

VOAL – Rembrandt Harmenszoon van Rijn lindi më 15 korrik 1606 në Leiden (Holandë), i teti i nëntë vëllezërve. Babai i tij, një mullis i pasur, zotëronte një mulli në brigjet e Rinit dhe për këtë arsye quhej “Van Rijn” (nga Rini).

I etur që djali i tij të bëjë një karrierë të rëndësishme, dhe për t’u shkëputur nga klasa artizanale, ai e regjistroi atë, në vitin 1620, në fakultetin e letrave të qytetit të tij.

I riu qëndroi atje për disa muaj, duke preferuar të merrte pjesë në studion e piktorit Isaaksz van Swanenburg i cili e njohur atë me artin italian dhe kryeveprat e tij, studiuar me pasion nga piktori i ardhshëm.

Përveç kësaj, duhet theksuar se në piktura e viteve 1920 në gjithë Evropën u trondit nga arti revolucionar i Caravaggio, i cili mori efekte të habitshme realiste falë përdorimit personal të dritave. Një mësim që Rembrandti do të mbajë në mendje.

Për më tepër, ekonomia shpërtheu në Holandë (në sajë të pavarësisë nga spanjollët dhe bashkimi i Holandës), qyteti i piktorit u bë një qendër e rëndësishme humaniste dhe artistike, madje edhe nën shtysën e universitetit. Një shkollë e rëndësishme piktoriale u zhvillua vetëm në Utrehtit, artisti kryesor i të cilit ishte Luca da Leida; një pikë reference e rëndësishme për përvojat e para piktoriale të Rembrandit.

Pas këtij formimi, Rembrandt bashkohet me bashkëmoshatarin Jan Lievens, i cili është gjithashtu një piktor i madh: fama e tyre përhapet gradualisht në mjediset e borgjezisë së arsimuar, e cila i pëlqen temat e portretizuara nga dy artistët në një mënyrë realiste dhe të njohur. Por mundësia e vërtetë për karrierën e piktorit holandez vjen në vitin 1631, pak pas vdekjes së babait të tij. Në fakt, Rembrandt vendos të largohet nga Leiden për në Amsterdam. Në këtë qytet, formimi piktural i Rembrandt përfundon, në veçanti falë mësimeve të Pieter Lastman, një artist i njohur lokal. Rembrandti studion me kujdes pikturat e Lastman dhe mëson saktësinë dhe përdorimin e ngjyrës tipike italiane, duke ri-propozuar disa nga lëndët historike të profesorit. Falë aftësisë ekstreme, megjithatë, nxënësi shpejt e tejkalon mjeshtrin. Edhe blerësit janë të vetëdijshëm për këtë dhe në një kohë të shkurtër zgjedhin Rembrandin për tregun e tyre. Për më tepër, ai ka mundësinë për të hyrë në mjediset e kulturuara të shoqërisë së lartë dhe, falë këtyre “hyrjeve”, të angazhohet te Saskia, mbesë e një tregtari të pasur arti; të dy më vonë u martuan më 1634. Dhe në këtë periudhë, nga viti 1634 deri në vitin 1642, Rembrandt inauguroi kryeveprat e tij, duke filluar nga “Leksioni i Anatomisë nga Dr Tulp” dhe “Pasioni i Krishtit”.

Nga ky moment Rembrandt van Rijn u rrethua edhe me një grup të madh dishepujsh, për të cilët ai vendosi të ndërtonte një shkollë “nga e para”. Por duke filluar nga vitet shtatëdhjetë nisi edhe kolapsi i tij ekonomik dhe familjar, për shkak, nga njëra anë, të menaxhimit të pamjaftueshëm të financave dhe, nga ana tjetër, prej dramave të vërteta emocionale. Në vitin 1640, nëna e tij vdiq dhe shpejt më pas gruaja e tij e dashur. Vetëm dhe i pavetëdijshëm ai tërhiqet në pikturë derisa takon Geertge Dirck, kujdestare e djalit të tij Tito, me të cilën ai ndërmerr një marrëdhënie intensive. Sidoqoftë, kjo e fundit, për shkak të sjelljes së saj skandaloze, i nënshtrohet një procesi që rezulton me një dënim në një shtëpi korrektuese. Jo çuditërisht, në këtë periudhë prodhimi i Rembrandit zbulon vuajtje ekstreme: në autoportrete ai duket të jetë një njeri i moshuar dhe i mungon vitaliteti.

Pas kësaj historie dashurie, ai ka një lidhje të re me Hendrickje Stoffels, me të cilën jeton dhe martohet më vonë. Së bashku ata do të kenë dy fëmijë.

Një nga pikturat e tij më të famshme daton në 1654: “Betsabea me letrën e Davidit”.

Më vonë, në vitin 1657 Rembrandti humbi të gjitha pasuritë e tij dhe u detyrua të shkonte në një shtëpi modeste. Pas 1660, megjithatë, ai arriti të rivendosë veten në skenën evropiane: ai pikturonte “Kryetarët e draperëve” dhe “Juria e Batavianëve”, vepra të karakterizuara nga një zotërim ekstrem i ngjyrave dhe brushave.

Një rreze drite kthehet për të ndriçuar jetën e artistit kur djali i tij Tito martohet me një të afërm të largët të Saskisë: tregimet personale hyjnë në veprat e piktorit dhe u japin një humanizëm të shquar. Nuk është rastësi që Rembrandti në «Prezantimin në tempull» i jep Simeonit të vjetër ëmbëlsinë ekstreme të dikujt që, si ai, tani është bërë gjysh.

Në vitet e fundit Rembrandti vendosi të pikturojë vetëm për vete, duke arritur rezultate shumë të larta. Ai vdiq më 4 tetor 1669 në Amsterdam në moshën 63 vjeç.

Siç shkruan Silvia Biagi: “Në të ekziston një zhvillim i ndryshëm i dritës së Caravaggio dhe një koncept tjetër i” vërtetë “. Shija teatrale, tipike e Rembrandit, gjithashtu shoqërohet nga një studim i kujdesshëm i realitetit njerëzor, si në” Portret  i plakës” në Ermitage Një vepër e përsosur e dritës dhe e materies realizohet në veprat e artistit holandez, ku në pikat shumë të ndriçuara Rembrandt ngarkon goditjen e furçave, për të arritur efektet tridimensionale, duke shfrytëzuar thyerjen e dritës mbi shenjat e stërvitjet e tij për të krijuar efekte multiforme dhe të ylbertë. “/Elida Buçpapaj

“Majmunët në Parlament”- Piktura e veçantë e 2009 del në ankand për 2.5 milion dollarë

Një pikturë e Bansky me disa majmunë në Parlamentin Britanik, pritet të shitet për një shifër prej rreth 2.5 milionë dollarësh.

Çmimi i lartë nuk është vetëm për mesazhin e fortë që kjo pikturë përcjell, por edhe për shkak të artistit.

Bansky është një artist rrugësh, aktivist politik, regjisor filmash, i cili punon në Mbretërinë e Bashkuar. Piktura që titullohet “Parlamenti i Transferuar” është 4 metra i lartë dhe është piktura më e madhe e artistit anoninim britanik.

Vepra ka marrë vëmendje mjaft të madhe gjatë kohëve të fundit, për shkak të problemeve që po has parlamenti me daljen nga Bashkimi Europian. Për këtë arsye, shtëpia e ankandeve ka vendosur që ta vlerësojë nga 1.84 deri në 2.46 milionë dollarë.